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En plena era del single y de la música consumida de manera fragmentada, 2025 se destacó por algunos discos muy sólidos, en el sentido clásico y hasta conceptual, como los de Bad Bunny y Rosalía. Buena excusa para un repaso por los grandes títulos internacionales que no pudimos dejar de escuchar este año.
1. Debí tirar más fotos – BAD BUNNY
En su sexto álbum, Debí tirar más fotos, Bad Bunny lleva a los oyentes en su triunfal regreso a casa con 17 canciones que recorren el rico caleidoscopio de géneros en la música de Puerto Rico. Es auténtico, jubiloso y fresco, ya que Benito se afirma en los mejores momentos de Un verano sin ti y empuja los límites de su sonido continuamente en modo experimental hacia el territorio inexplorado (por el mainstream) de la música folclórica puertorriqueña y la salsa. A pesar del enfoque cultural específico, o tal vez por eso, Debí tirar más fotos dominó 2025. Se podía escuchar en las calles de Nueva York, San Juan y más allá; y ayudó a Bad Bunny a hacer historia: se convirtió en el primer artista en tener una residencia en El Choli, de Puerto Rico, y llevará la gira No Me Quiero Ir de Aquí al escenario global en 2026, haciendo una parada para encabezar el show del medio tiempo en el próximo Super Bowl y tal vez incluso recoger una de las seis nominaciones al Grammy que tiene. El álbum y su dominio este año son un testimonio de hasta dónde puede llevar a Bad Bunny el inquebrantable orgullo boricua. Maya Georgi
2. Lux – Rosalía
Rosalía demostró ser una de las figuras más provocadoras del pop hoy y Lux no suena como absolutamente nada más en el mainstream actual. Su irreverencia es lo que hace que el álbum sea un verdadero shock para el sistema: se inspira en los grandes, pero lo hace con la energía de una chica mala… como si Mozart se estuviera fumando un porro. En última instancia, el álbum funciona porque cada canción está profundamente pensada y es intensamente sentida, volviendo a ideas profundas sobre qué demonios estamos haciendo todos aquí. La española lidia con el dolor y la pérdida, la ira y el duelo, el sexo y el deseo, el amor y la adoración, mientras intenta comprender mejor quién es, cómo ama y las fuerzas espirituales que la mueven. Brittany Spanos
3. Getting Killed – Geese
La idea de que exista una nueva generación rockera podría sonar un poco forzada en 2025. Y entonces, desde Nueva York, aparece Geese, con este increíblemente original tercer álbum, deconstruyendo el rock como lo conocíamos y volviendo a ensamblarlo de manera estimulante y extrañamente luminosa. Cada canción rebosa de descubrimientos inquietos –desde el lento baile de soft-rock distorsionado en “Cobra” hasta el tintineo y el brillo casi de himno de “Taxes” y el boogie contundente de “Bow Down”–. “Podés ser libre”, gime Cameron Winter sin un atisbo de ironía. Si podés ser tan libre como estos tipos, venís bastante bien. Jon Dolan
4. Ego Death at a Bachelorette Party – Hayley Williams
Hayley Williams lanzó sorpresivamente su nuevo disco en una despedida de soltera durante el pasado verano boreal, después de haberlo subido a su sitio web a través de un reproductor web a la antigua. Pero si el lanzamiento fue un poco desordenado, Ego Death at a Bachelorette Party es, en cambio, su álbum más enfocado hasta ahora. Nunca ha sonado más segura o libre, partiendo de influencias que van desde Phoenix hasta TLC. “Estuviste en mi boda… Podrías haberme dicho que no lo hiciera”, grita en “Parachute”. Ese tipo de trauma romántico es un tema recurrente en todo el disco, pero Williams emerge lista para una nueva vida, donde las posibilidades son infinitas. M.G.
5. Ripped and Torn – Lifeguard
Los Lifeguard de Chicago tienen su propio ataque de guitarra maravillosamente estridente y contundente, comenzando su debut con el frenético “A Tightwire” y manteniendo la energía durante 12 canciones irregulares en poco más de media hora, sin una pausa para respirar. “Like You’ll Lose” está impregnada del pulso dub de los Raincoats, Gang of Four o The Pop Group. También podés escuchar el rugido del noroeste del Pacífico de Unwound, el crujido que se adhiere a los huesos de sus precursores del Medio Oeste como Arcwelder, y una sorprendente cantidad de dance-punk de Nueva York de principios de los 2000. Sin embargo, Lifeguard convierte todo eso en su propio estilo de ganchos de punk melódico ingeniosamente elaborados. Rob Sheffield
6. Never Enough – Turnstile
La tan esperada continuación de la banda hardcore de Baltimore a su enorme LP de 2021, Glow On, es como una galería misteriosa: no tanto una colección de pistas, sino una serie de impresiones que se centran más en una sensación que en un mensaje. ”Dull”, producido en parte por el innovador del hiperpop A.G. Cook, suena como una pelea de boxeo, mientras que el destacado “Sunshower” es como un berrinche en una tormenta, y “Seein’ Stars”, con tintes de los años ochenta, se ondula como una pista de club nocturno con voces adicionales casi indistinguibles de Hynes y Hayley Williams. Es una colección inquietante que vale la pena visitar repetidamente. Brenna Ehrlich
7. Twilight Override – Jeff Tweedy
El prolífico vocalista de Wilco ha descrito este triple LP como su humilde esfuerzo por resistir la abrumadora oscuridad de la vida en la década de 2020. Jeff Tweedy pasa gran parte del álbum en un cálido y cómodo modo folk-rock que ha estado perfeccionando durante décadas; si buscás una idea general que conecte todas estas canciones, podrías encontrarla en “Feel Free”, donde comparte parte de la sabiduría que ha acumulado a lo largo de los años en una serie de versos tipo mantra. Tomadas en conjunto, estas 30 canciones se amplifican y enriquecen mutuamente, sumando un álbum impresionante que recompensa el tiempo que le dediqués. Simon Vozick-Levinson
8. La montaña encendida – Meme del Real
La mayoría de los fans de Café Tacvba ya sabían que el tecladista Meme del Real es el compositor más talentoso del cuarteto, pero este primer álbum en solitario aún impacta como una revelación. Después de mudarse al campo fuera de la Ciudad de México, Del Real reevaluó una carpeta de demos dormidos que había guardado de Tacvba y decidió esculpirlos en un álbum con la ayuda del productor Gustavo Santaolalla. El corte principal, “Princesa”, es una épica pieza de prog del siglo XXI, mientras que “Tumbos” ofrece una fusión sonriente de neobachata con synth-pop. Solo podemos esperar que pronto sigan más excursiones en solitario. Ernesto Lechner
9. Heavy Metal – Cameron Winter
El vocalista de Geese, Cameron Winter, lanzó su debut sorpresa a finales de 2024, aproximadamente nueve meses antes de que el excelente Getting Killed de su banda se convirtiera en uno de los álbumes de rock más destacados del año. En Heavy Metal, muestra una habilidad al estilo de Harry Nilsson para extraer lo extraño de lo conmovedor, y viceversa. La paleta de pop-rock de los setenta chirría mientras se mueve al ritmo, tambalea al mismo tiempo que se desmaya, mientras Winter flexiona su barítono desde agotado y cansado hasta vibrante y lleno de vida. Corteja la destrucción y el amor, la desilusión y la trascendencia, con asombro, sinceridad, incredulidad y sospecha. J. Blistein
10. West End Girl – Lily Allen
Rolling Stone declaró que West End Girl de Lily Allen es el “álbum más brutal del año”, debido a su magistral retrato del amor y la pérdida modernos en medio de revelaciones sobre plugs anales, condones y un esposo que posiblemente sea un adicto al sexo, todo ello enmarcado en melodías pop melosas. Aquí encontramos a Allen, casi 20 años después de su debut, Alright, Still, entregando su música más implacable hasta ahora, una odisea de traición y desamor, una obra donde la narración musical se presenta en su forma más desnuda y aguda. Charisma Madarang
11. More – Pulp
Ha pasado casi un cuarto de siglo desde el último álbum de Pulp, pero la banda de Sheffield, Inglaterra, ha vuelto. En More, el cantante Jarvis Branson Cocker todavía encarna un estilo desenfadado e ingenioso que inspira diversos grados de aspiracionalismo y envidia. Canciones como la triunfante “Got to Have Love” poseen una grandeza de lento ardor que está hecha para llevar a las multitudes de los festivales a la locura, incluso cuando sus arreglos se sienten más caseros que los toques orquestales del trabajo de la banda en los años 90. Los resultados deberían dar a su cohorte generacional un vistazo de cómo envejecer puede ser una oportunidad para recuperar la brillantez una vez más. M. Johnston
12. For Melancholy Brunettes (& Sad Women) – Japanese Breakfast
El cuarto álbum de la cantante y guitarrista Michelle Chongmi Zauner puede vibrar con melancolía, pero es mucho más que solo “música de chica triste”. For Melancholy Brunettes es una evolución de todo lo que ha hecho antes, fusionando imágenes tanto míticas como mundanas con instrumentación de primera clase. Zauner lucha con la naturaleza caprichosa de la musa –ya seas un poeta de hace mucho tiempo o un guitarrista de un pequeño pueblo–; veamos “Orlando in Love”, un tema de leyenda griega que cuenta la historia del poeta titular y las sirenas que lo arrastran. Este LP es un cuento popular, una historia de taberna de pueblo, una novela gótica y una historia de fantasmas, todo en uno. B.E.
13. Spanish Leather – Guitarricadelafuente
Lo último de Álvaro Lafuente Calvo, conocido como Guitarricadelafuente, es su trabajo más ambicioso hasta la fecha. Alejándose de los sonidos tradicionales y las influencias acústicas de su trabajo anterior, el español de 28 años se inclina hacia los ganchos pop y las texturas inspiradas en la música bailable, intercaladas con hermosas baladas de piano como “Puerta del Sol”. “Se trata de dejar el pueblo atrás”, le dijo el cantante a Rolling Stone a principios del año pasado, “y dirigirse a la ciudad para descubrir cosas nuevas, para descubrirte a ti mismo”. J.B.
14. Tall Tales – Thom Yorke and Mark Pritchard
El vocalista de Radiohead, Thom Yorke, y el productor Mark Pritchard han estado trabajando en este proyecto electrónico minimalista desde los oscuros días de 2020, intercambiando pistas, con Yorke añadiendo voces que son inquietantemente opacas y escalofriantemente inquietantes incluso para sus altos estándares. En “Ice Shelf”, su voz muta en un lamento robótico sobre una atmósfera de ruido gris y un retumbar subterráneo de tambores, mientras que “The Conversation Is Missing Your Voice” es como un negativo fotográfico de un éxito de R&B. Pritchard sabiamente mantiene sus pistas despejadas y variadas, ofreciendo a Yorke un espacio infinito para expandirse. J.D.
15. Bleeds – Wednesday
“Mandaste mis fotos desnuda/ nunca te grité porque ya estabas muerto”, canta Karly Hartzman en “Townies”, dejándonos una de muchas grandes líneas estelares en el sexto disco de Wednesday. Bleeds contiene elementos del sonido original de la banda de Carolina del Norte: distorsión y shoegaze, pero lo amplía en otras direcciones, como en la bella “Wound Up Here (By Holding On)” y la dulce “Elderberry Wine”. El cambiante paisaje sonoro, más las agudas y osadas letras de Hartzman, invitan a un salvaje viaje de gótico sureño al que siempre vas a querer volver, no importa lo oscuro que sea. S.V.L.
16. Moisturizer – Wet Leg
Los indie británicos Wet Leg surgieron de la nada en 2021 para convertirse en auténticas superestrellas internacionales. En su segundo álbum demuestran que han estado yendo de fiesta más duro, viajando más rápido, preocupándose menos y conociendo a idiotas más sexys. Si pensaste que podrían sufrir la neurosis del temido “bajón del segundo disco” después de su debut homónimo, te equivocaste. Moisturizer mantiene todo rápido y atrevido, abarcando desde la felicidad de un flechazo (“Seré tu Shakira, cuando sea, donde sea”) hasta la rabia por una ruptura (“Estás acabado, eres irrelevante y me estás tapando la luz”). Pero dondequiera que vayan los Wet Leg, hacen que quieras seguirlos. R.S.
17. The Clearing – Wolf Alice
La banda británica Wolf Alice ha estado haciendo pop-rock ecléctico desde hace una década, especializándose en música rica en texturas, que oscila emocionalmente mientras se mueve dentro de diferentes entornos sonoros. Nunca lo han logrado con la amplitud y profundidad de su cuarto álbum, impregnado de influencias clásicas de los años setenta y ochenta. En el corazón de todo esto está la búsqueda de Ellie Rowsell por definirse a sí misma y encontrar dirección y significado mientras avanza hacia la madurez. “Quiero envejecer con emoción, sentir que mi mundo se expande”, canta en “Play It Out”, sonando valiente y refrescantemente insegura sobre lo que eso significa. J.D.
18. Private Music – Deftones
Lo mejor de Private Music, el décimo álbum de Deftones, es que llegó sin trucos ni desesperación por llamar la atención. Es simplemente otro gran disco de una banda que ya sonaba completamente segura de su propuesta, una yuxtaposición de riffs de alt-metal desgastantes y un profundo y sensual anhelo, bien parado en la época. Hank Shteamer
19. Here We Go Crazy – Bob Mould
Here We Go Crazy deambula por el mismo paisaje de ruido tumultuoso y emociones agitadas que Bob Mould ha estado navegando desde que cofundó Hüsker Dü en 1979. Joyas como “Hard to Get” y “Neanderthal” clavan una mezcla esencialmente mouldiana de agresión contundente, zumbido oceánico de guitarras y melodías vibrantes. “When Your Heart Is Broken” se dispara hasta allá arriba, muy cerca de “Makes No Sense at All”, de Hüsker Dü, por su habilidad para mezclar una melodía perfecta, sin esfuerzo, con una urgencia apremiante centrada en los sentimientos. La sensación de crecimiento constante y la sabiduría acumulada son notables en estas canciones. J.D.
20. Some Like It Hot – Bar Italia
Bar Italia surgió del submundo del rock londinense con su zumbido de guitarras propio y seductor. Uno de los discos de indie-rock más emocionantes del año, el nuevo y magnífico Some Like It Hot es aún más arrogante, más ardiente, más insistente. Tres tipos criminalmente geniales a gusto en la oscuridad, los Bar Italia definitivamente no son tímidos al mostrar sus influencias de rock melancólico: un poco de Slowdive, mucho de The Cure, bastante de la Velvet, Spacemen 3 y Sonic Youth. A lo largo de Some Like It Hot, mezclan post-punk, britpop, shoegaze y psicodelia con su propio toque melodramático. R.S.
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